Vinte anos de ódio: por que 'La Haine' é mais oportuno do que nunca


Vinte anos atrás, hoje, 9 de fevereiro, 'La Haine', de Mathieu Kassovitz, estreou em cinemas selecionados e começou sua exibição teatral na América. O filme já era uma sensação internacional neste momento, tendo causado ondas de choque no Festival de Cannes de 1995, onde recebeu uma ovação prolongada e o prêmio de Melhor Diretor, mas nada poderia ter preparado o público doméstico para a força política e social do filme que atinge como uma bola de demolição visceral.





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Estrelado por Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui e Vincent Cassel (em sua performance de estréia), “La Haine” se passa por 19 horas consecutivas na vida de três jovens adultos que vivem em projetos franceses multiétnicos empobrecidos. Muito longe da dourada Cidade do Amor que normalmente vemos na tela grande, “La Haine” capta o realismo urbano de seu cenário através de uma cinematografia em preto e branco, seguindo esses jovens enquanto tentam sobreviver e sustentar suas famílias entre a crescente tensão racial e social da polícia e dos puristas franceses.



Nos 20 anos desde o lançamento do filme nos EUA, 'La Haine' permaneceu um dos títulos estrangeiros mais difíceis de todos os tempos. Em comemoração ao seu aniversário, Indiewire reflete sobre como o filme continua a ser relevante duas décadas depois.



Diz tanto sobre o presente quanto sobre o passado.

Uma história de agitação social, 'La Haine' prova que ela tem visão dupla, refletindo o passado e antecipando o futuro. As histórias de Makome M. Bowole e Malik Oussekine, vítimas de brutalidade policial, inspiraram Kassovitz a escrever o roteiro e focar no confronto entre a força policial francesa e a juventude do banlieue. O banlieue se refere às zonas suburbanas que cercam as cidades francesas, equivalentes ao que os EUA consideram 'projetos habitacionais'. O filme confronta a alienação e o confinamento da juventude desprovida de privilégios do banleieu.

Semelhante à metáfora de Spike Lee de temperaturas subindo em 'Faça a coisa certa', os personagens de 'La Haine' só aguentam tanto calor até serem levados ao limite. Recorrendo à violência, os distúrbios urbanos são movidos tanto pela sobrevivência quanto pelo protesto. O filme não é subjetivo ao período nem à situação social e política, mas universal em seu contexto. Considerando os recentes protestos em torno de incidentes de brutalidade policial na América, o filme é mais relevante agora do que nunca. A premissa é atemporal e sem fronteiras, porque dá voz àqueles que são silenciados quando precisam desesperadamente ser ouvidos.

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Ele mostra o poder da mídia.

'La Haine' demonstra quão extenso o poder da mídia pode ser. No filme, a mídia noticiosa é tendenciosa, retratando os jovens como ameaçadores e falhando em perceber sua estigmatização apenas contribui para o ciclo de feedback negativo, no qual a falta de representação legítima dos jovens dificulta ainda mais o acesso a oportunidades. Em uma cena, repórteres tentam questionar Hubert, Vinz e Said sobre os distúrbios da noite anterior. Kassovitz enquadra sua tela dentro de uma tela quando os meninos observam uma parede feita de telas de TV, prendendo-as na proporção de mídia em caixa. O anúncio da transmissão, confirmando a morte de seu amigo, interrompe uma montagem de imagens de guerra da Bósnia. A exposição diária a esse conteúdo brutal normaliza e legitima a violência aos seus olhos. Consequentemente, eles agem de maneira contra-intuitiva, usando a violência como um catalisador de mudança social. Ironicamente, o filme em si foi um exemplo do poder da mídia, pois provocou os distúrbios Noisy-la-Grand apenas alguns dias após seu lançamento na França.

Ele usa imagens de arquivo para contextualizar sua atemporalidade.

O filme começa com imagens de arquivo autênticas de tumultos urbanos. Abrir um filme narrativo com um rolo de documentário é uma maneira inteligente de emanar um senso de realismo e construir um cenário histórico e político. Sucessos recentes como 'Argo' e 'Milk' usaram uma estratégia semelhante. A partir da filmagem, o filme corta para um coquetel Molotov em espiral em direção a uma imagem de satélite do planeta Terra. Ao adequar a moda à história de uma sociedade em queda, a tela acende da explosão antes de voltar às imagens de arquivo. Definidos como 'Burnin 'e Lootin', de Bob Marley, os clipes apresentam manifestantes e policiais se preparando como se dois exércitos estivessem alinhados para a batalha. O uso de imagens de arquivo é uma técnica valiosa, porque imediatamente define o tom e contextualiza a história fictícia com as realidades sociais.

Kassovitz fez progressos técnicos como cineasta através de cenas intertextuais e inovadoras.

Kassovitz prova que ele é um mestre na arte com seu impressionante trabalho de câmera em “La Haine”. Seus truques técnicos exigem muita atenção ou alguém pode ser enganado como se fosse um truque de mágica. Suas técnicas inovadoras, como a da sequência aérea, são louváveis. Do DJ no toca-discos, a câmera flutua para longe da janela e ao redor do banleieu. Usando um inovador dispositivo semelhante a um drone, Kassovitz oferece ao público novos pontos de vista com a visão panorâmica dos subúrbios. Ele adiciona o intertexto através de referências a cenas específicas de outros filmes famosos. Na foto no espelho, Vinz (Cassel) contorce a mão na forma de uma arma e aponta para seu reflexo, imitando um morador das sombras da sociedade, Travis Bickle (Robert De Niro), de 'Taxi Driver'.

A câmera começa atrás de Vinz, se move em sua direção e depois sobre ele enquanto ele cospe na pia. Sem ter que cortar, ela se transforma em uma foto POV, mas como Kassovitz faz isso sem capturar acidentalmente o cinegrafista no espelho? Acredite ou não, Kassovitz não usa um espelho. Ele usa dois atores, um corpo duplo com as costas viradas e uma moldura aberta com Cassel do outro lado para criar a ilusão do espelho, permitindo que ele capture a cena em um movimento contínuo. Em outra foto de quando os meninos chegam ao centro de Paris, Kassovitz recria uma foto da 'Vertigo' de Hitchcock, movendo a câmera para a frente em uma boneca enquanto diminui o zoom no mesmo ritmo. O zoom dolly cria uma sensação desorientadora como a da vertigem real para refletir o desconforto físico do trio no novo ambiente estranho.

Ele transcende a noção de identidade francesa.

O filme é uma história não convencional de amadurecimento, mas também é uma exploração da identidade francesa moderna por causa de como a amizade de Said, Vinz e Hubert é um caldeirão cultural que desafia a pureza da imagem francesa antiga. A dinâmica multiétnica reflete a realidade da França na época, trocando as cores nacionais da antiga França, bleu-blanc-rouge (azul-branco-vermelho), pelas cores da nova França, preto-blanc-bleur ( 'Preto-branco-árabe'). Kassovitz, ironicamente, expõe a lógica falha por trás da relativa definição de solidariedade social da França. Não são as diferenças de raça, mas de cultura que publicamente as classifica como “outras” e conduz seu mau tratamento. Após a descolonização, o banleieu era uma solução habitacional política para compensar o afluxo de imigrantes. Cada garoto representa um local e uma cultura diferentes: Hubert tem raízes no Caribe, Said é beur, um termo coloquial para franceses com avós descendentes do norte da África e Vinz é responsável pelos europeus orientais judeus. Semelhante à dupla visão do filme, o contexto histórico de suas diversas identidades étnicas confunde a linha entre o presente e o passado, questionando se eles são tratados como cidadãos ou sujeitos coloniais.

O filme revela a importância da localização geográfica / topográfica.

Tanto na forma como no conteúdo, Kassovitz enfatiza as relações espaciais entre os personagens e seus arredores. Seu uso se a localização e a mobilidade exploram o confinamento de grupos empobrecidos a corredores urbanos específicos e lembra filmes americanos como 'Boyz n the Hood' e 'Menace II Society'. 'Boyz' abre com uma imagem em tamanho grande de uma placa de pare, enquanto que, em 'Ameaça', uma luz de rua fica vermelha em um momento oportuno. Eles exploram não apenas a falta literal de transporte, mas também os imponentes limites institucionais que levam ao confinamento e à imobilidade social.

Em 'La Haine', os personagens chegam onde querem ir, mas a grama não é mais verde do outro lado das trilhas. Metade do filme se passa nos subúrbios e a outra metade se passa no centro cosmopolita de Paris. Apesar de estar apenas a uma viagem de trem, ir de um lugar para o outro é como entrar em outro universo. Kassovitz abrange visualmente o relacionamento dos personagens com o ambiente. Nas cenas banlieue, que acontecem durante o dia, Kassovitz usa lentes curtas e longas para emitir conforto e uma sensação de proximidade entre as pessoas e o meio ambiente. Pelo contrário, as cenas de Paris retratam o trio como peixe fora d'água. A escuridão da noite se baseia no uso de lentes longas e curtas pelo diretor para criar uma estética angustiada que sobressai os meninos da paisagem.

Mostra como a cultura pop encontra suas raízes na anarquia juvenil.

Na sequência aérea, a música que o DJ toca é um mashup de 'Nique la police' da NTM e 'Je ne lamentou rien', de Edith Piaf, destacando a imensa lacuna entre as gerações de trabalhadores. A câmera viaja pelo ar como ondas sonoras musicais, ecoando o movimento americano de hip-hop. Com o movimento de uma nuvem no céu, a câmera imita o movimento da cultura pop, que se espalha pelo mundo e populariza o estilo de vida dos gângsteres, glorificado nas letras. De acordo com a referência 'Taxi Driver', Vinz faz referência a MacGyver para justificar a ligação a quente de um carro. Vinz é um subproduto de interpretação perigosa. Ele não apenas imita as estrelas de cinema no comportamento, mas também o invoca seus atos de subversão. As roupas, a música, incluindo a cena inesquecível de break dance e até a linguagem contribuem para o retrato da cultura pop jovem. A linguagem vibrante é conhecida como 'verlan', uma forma revivida da gíria negra dos anos 1970, na qual as sílabas são invertidas ('té-ci' em vez de 'ci-té'). O filme não é apenas uma crítica das instituições que alienam os jovens da banlieue, mas também uma crítica da cultura pop que influencia os jovens a confiar em uma cultura violenta de armas como solução.

Os elementos do surrealismo são essenciais.

'La Haine' é dialético, combinando os estilos opostos de surrealismo e realismo para aprimorar o significado e o impacto do filme. Como a premissa não é fácil de explicar, Kassovitz unifica elementos temáticos contrastantes porque eles dizem mais como um pacote do que individualmente. O realismo dá o pano de fundo ao filme, enquanto o surrealismo e os momentos da comédia sombria geram o ritmo animado e o valor do entretenimento. O surrealismo é inerentemente auto-reflexivo por causa de sua flagrante, mas se destaca a favor do filme, usando o faz de conta para revelar uma verdade sobre a realidade que é tão difícil de ver.

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Por exemplo, embora pareçam deslocados, os rostos gigantes dos dois poetas famosos, Rimbaud e Baudelaire, pintados nas laterais dos edifícios, ajudam a construir a idéia de vigilância cultural. Os momentos surreais, como Vinz vendo uma vaca aleatoriamente, enfatizam seu status de sonhador. Ele fantasia sobre assassinar um policial, mas o final prova ironicamente que ele vive não em um sonho, mas em um pesadelo perpétuo.

Termina com o tiro ouvido em volta do banlieue.

No espírito de cineastas como Spike Lee, Kassovitz cria cenários desconfortáveis, não para dar uma resposta aos espectadores, mas para inspirá-los a fazer mais perguntas. No final do filme, a explosão da bomba-relógio fará com que você pule da cadeira. Vinz finalmente desiste da fantasia de gângster e toma uma decisão responsável, entregando a arma a Hubert. No entanto, um grupo de vingança em busca de policiais os detém, prendendo Vinz contra o carro. O policial aponta a arma para sua cabeça e acidentalmente puxa o gatilho. O tiro congela a multidão quando Vinz cai no concreto. Hubert corre para o local e puxa a arma. É um impasse; Hubert e o policial apontam as armas um para o outro como um duelo antiquado. A tela fica preta e um tiro ecoa.

O filme termina nesta nota aberta, nunca revelando quem vive ou quem morre. Kassovitz não descreve quem é o herói, nem quem é o vilão. A sociedade puxa o gatilho e todos se sentem parcialmente culpados. É um momento final que garante que o filme continuará vivo por séculos.



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