Retrospectiva: Os filmes de direção de Orson Welles

Nota: tudo isso parecerá muito melhor - como faria qualquer coisa - se você imaginar que está escrito na voz suave e outonal de Welles:



Um século atrás, neste mesmo dia, em Kenosha, Wisonsin, uma criança mimada e vomitando nasceu para Richard e Beatrice Welles, e recebeu o nome de Orson, em homenagem a seu avô. Little Orson ainda não sabia, mas nos próximos 70 anos o veria viver uma vida surpreendente, atravessando continentes, vivendo alto e baixo, percorrendo palcos de teatro e cenários de filmes, entoando microfones e megafones, acumulando louros e ódio , jantando com reis e duelando com financistas inconstantes, apaixonando-se e gerando filhos, sempre atormentados pelos ventos justos e sujos da fortuna, mas se dirigindo de frente para eles, amarrados ao mastro de sua imensa autoconfiança. Welles é uma figura imponente no cinema e, no entanto, o cinema era apenas uma fatia do trabalho de sua vida. Mas o pequeno Orson ainda não sabia disso.

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É difícil imaginar Orson Welles quando criança - ingênuo, buscando aprovação de alguém ou qualquer coisa, menos sua própria inteligência feroz. Mas, de fato, ele teve uma infância, como todos nós tivemos. Exceto não como todos nós fizemos - ele era um picaresco maluco, já que seu pai alcoólatra, que fez fortuna inventando uma lâmpada de bicicleta, assumiu toda a parentalidade após a morte de sua mãe, quando ele tinha nove anos. Orson, que já era amigo dos filhos de Aga Khan, foi com o pai para a Jamaica e a Ásia e voltou a morar no hotel de Illinois que eles possuíam. O que então foi queimado (é claro que aconteceu), e assim ele continuou novamente, frequentando várias escolas diferentes (onde ele estabeleceu sua reputação de cleptomaníaco incorrigível), antes que seu pai também morresse jovem, quando Orson tinha apenas 15 anos, estipulando em seu que seu filho possa escolher seu próprio guardião. Apenas alguns anos depois, desprezando a bolsa de estudos que Harvard lhe ofereceu em favor de uma turnê européia, Welles aparentemente passava por um capricho no Dublin's Gate Theatre e ingressava na empresa alegando ser uma estrela da Broadway. Aparentemente, ninguém comprou a mentira, mas seu carisma descalço em dizer que era toda a audição que ele precisava.




Desde atuar no teatro na Irlanda e depois nos EUA, dirigir peças em Nova York, estabelecer uma carreira lucrativa no rádio graças à sua gloriosa voz, combinar todas essas habilidades em escrever, dirigir e executar peças de rádio imensamente populares e bem-sucedidas, Welles havia se estabelecido como uma estrela em chamas muito antes de ele entrar em um set de filmagem. Quando ele finalmente começou a filmar pela primeira vez, depois de negociar um acordo sem precedentes em Hollywood para co-escrever, dirigir e estrelar 'Citizen Kane, ”Ele tinha 25 anos e um mês de idade.



Escrevemos toda essa biografia em parte porque é muito divertida, mas também porque, 30 anos após sua morte, é fácil presumir que o imenso legado de Welles seja pelo menos parcialmente uma falácia, um produto da criação de mitos de Hollywood quando a verdade provavelmente era muita coisa. mais banal. Mas nada em Welles foi banal - mesmo sua famosa birra sobre o comercial de ervilhas Birds Eye pode ser mesquinha e patética, mas também é estranhamente magnífica. E se sua reputação autoritária e stentoriana como original autor Hoje em dia, parece assustadoramente fora de moda, quando 'qualquer um pode dirigir um filme', ​​diz menos sobre ele do que sobre um desejo perverso de derrubar uma reputação do plinto e decretar o tipo de parricídio cultural que nosso atual discurso 'democratizado' exige .


De fato, a cultura moderna sendo o que é, mesmo “Citizen Kane”, por tanto tempo o título de “melhor filme já feito”, foi recentemente vítima desse tipo de esnobismo. Apesar de obviamente errado, parece haver uma crescente escola de (falta de) pensamento dedicado a propagar a idéia de que 'Kane' não é de fato 'tudo isso' e aceitá-la como um fato indiscutível da paisagem cinéfila. uma abordagem tragicamente voltada para o rebanho, contra a qual esses corajosos renegados iconoclasta são nosso único baluarte. Isso é besteira: a admiração por Welles não tem nada a ver com aceitação inquestionável e não crítica de uma avaliação monolítica transmitida e tudo a ver com realmente assistindo seus filmes.

Então é isso que decidimos fazer, para marcar este centenário - assista aos filmes de Welles. Ou re-visualizá-los (pelo menos todos os recursos de direção), o que é suficiente para amenizar qualquer embotamento que eles possam ter adquirido nos anos seguintes e para que o gênio de Welles renasça nessas imagens deslumbrantes, naquelas performances poderosas, nesta enorme, cinema puro.


Cidadão Kane (1941)
Não há maior impacto na história do cinema americano do que o criado por Orson Welles em 1941, quando, aos 26 anos, quantificou seu status de garoto gênio a tal ponto que quase o arruinou. A história de como “Citizen Kane” foi feita, e a colossal tempestade de merda que causou em Hollywood é tão famosa quanto o próprio filme. O contrato que Hollywood ofereceu a Welles acendeu um dinamite em seu arsenal artístico e levou à maior estréia no cinema, detalhando a história da ascensão e queda de Charles Foster Kane (Welles) como magnata do jornal, senador falido e eremita estupidamente rico. que termina seus dias relembrando sua infância despreocupada. Com o benefício da retrospectiva (e das alegrias da ironia), é adequado observar que a reputação póstuma de William Randolph Hearst (o ostensivo real 'Kane') deve mais do que um pouco a Orson Welles e 'Citizen Kane', mas na época, Hearst chegou perigosamente perto de garantir que a imagem nunca visse a luz do dia. Tudo o que rodeia o filme teve um papel na superexposição em discussões desde então, e a adoção dele como GOAT desde os anos 60 sufocou levemente todos os filmes que Welles fez depois, mas basta apenas uma nova revisão para ver o que realmente importa; a exibição na tela do brilho de contar histórias que ainda emociona até hoje. Cena após cena, cada uma tecnicamente mais surpreendente que a anterior, é capacitada por Gregg TolandCinema cinematografia, Robert WiseEdição e performances fantásticas que Welles conseguiu de todos os membros do elenco (incluindo ele próprio) para criar uma narrativa fluida e meticulosamente trabalhada. Contando a história da natureza do poder que corrompe a alma, através de seu diálogo atemporal, além de sua estética inesquecível e enquadrando personagens contra objetos para aprimorar o vazio materialista de um sonho americano ilusório, 'Citizen Kane' é um exemplo perene do eterno artista artístico poder que pode ser alcançado quando a câmera está nas mãos certas. [A +]


'Os Magníficos Ambersons' (1942)

Quase o arquetípico e difícil 'segundo álbum', 'The Magnificent Ambersons' viu Welles acompanhar o filme, muitas vezes chamado de o melhor de todos os tempos com um melodrama extenso, só vê apoiantes RKO corte o filme quase ao meio e exclua a maioria das imagens. Welles diria mais tarde 'eles destruíram' Ambersons, ' e me destruiu, ”; mas 'destruiu' pode ser um pouco duro, dada a grandeza indiscutível do que ainda sobrevive. Baseado em um romance vencedor do Prêmio Pulitzer de Booth Tarkington, que supostamente havia baseado o patriarca em Welles; próprio pai, é uma peça sobre a família titular, a mais rica de Indianápolis, e o escândalo causado pelo retorno de Eugene (Joseph Cotten), um self-made-man apaixonado pela filha de Amberson Isabel (Dolores Costello) De alguma forma, menos conscientemente vistoso do que 'Kane' e mais realizado (a sequência das bolas de Natal no início é uma peça impressionante de cinema), é até subtraído um filme sombrio e intransigente que está muito à frente de seu tempo, pelo menos até o final estragado. Welles não aparece na tela - o único filme que ele dirigiu em que é esse o caso - que o transforma em uma peça de conjunto mais generosa, permitindo que os atores brilhem de verdade. Mas ele ainda está por todo o filme, até porque ele o narra, e isso serve como um mergulho tão rico em privilégios americanos quanto seu antecessor. É improvável que as imagens perdidas sejam encontradas, então sempre nos perguntamos o que aconteceria (Robert Wise, que conduziu a versão reduzida e que mais tarde se tornaria um grande diretor por si só, sustenta que a versão lançada é tão bom quanto o mais longo, que teve um desempenho ruim com o público), mas temos a sorte de ter 'Ambersons' em qualquer forma. [UMA-]


'O Estranho' (1946)

No cânone dos filmes de Orson Welles - você sabe, os clássicos -, o terceiro esforço de longa-metragem do escritor / diretor 'The Stranger' é curiosamente esquecido. E se a vaidade da maioria dos roteiristas / diretores / estrelas ditar que eles devem interpretar o herói, Welles ’; filme, chegando quatro anos após o desgosto de 'Ambersons', pelo menos inverteu a narrativa a esse respeito. Um filme noir de juntas brancas, 'The Stranger' é um thriller pós-Segunda Guerra Mundial sobre um ex-mentor nazista que escapou para os EUA sob uma identidade assumida que vive entre os americanos. Mas o filme começa com a caçada: os agentes do FBI têm a tarefa de descobrir a identidade dos nazistas clandestinos em casa. Edward G. Robinson interpreta Wilson, o obstinado chefe da Comissão de Crimes de Guerra tentando rastrear Franz Kindler (Welles). Posando como Professor Charles Rankin, um professor que mora em uma sonolenta cidade da Nova Inglaterra, Kindler está na véspera de se casar com sua esposa fiel mas ingênua (Loretta Young) Um plano elaborado pelas autoridades para permitir que um associado nazista conhecido capturado (Konstantin Shayne) vá e observe como ele os leva a Kindler, quase funciona, mas o astuto alemão cobre seus rastros com sociopatia assassina. Quando Wilson e os federais começam a invadir Kindler - as paredes começam a se fechar e sua esposa apaixonada lentamente se depara com as revelações do marido - 'The Stranger' ferve com chaleira gritando pressão. Não é 'Citizen Kane', eo terceiro ato estridente e melodramático ameaça desfazer o que é um thriller clássico e bem trabalhado em Hitchcock modo. Mas ele também tem suas forças de roer unhas, e para um cineasta que sofria da maldição da ansiedade pela conclusão e de uma carreira desigual que nunca poderia atingir seu potencial máximo, 'The Stranger'. ainda é um trabalho inicial forte e respeitável que os entusiastas de Welles - não apenas os completistas - deveriam conhecer. [B]


'A Dama de Xangai' (1947)

Como muitas outras fotos depois de 'Citizen Kane', é um negócio complicado avaliar o único corte disponível de 'A Dama de Xangai', pois tem sido tão criticado pelos dedos sujos do estúdio contra os desejos de Welles. Ir irlandês para a adaptação de Sherwood King 's novel 'Se eu morrer antes de acordar, 'Welles interpreta o marinheiro Michael O’Hara, que se apaixona rapidamente pela elegante Elsa (uma garota de tirar o fôlego) Rita Hayworth) Ela acabou de chegar de Xangai com o marido, o advogado de defesa criminal aleijado Arthur Bannister (um elenco perfeitamente Everett Sloane), que tem uma cara feia e uma reputação ainda pior. Pontadas nas costas, reviravoltas na história e expressões de desejo desmaiadas acontecem quando O'Hara concorda em ajudar os Bannister em sua viagem de iate a São Francisco. Não se pode deixar de imaginar o que poderia ter sido se isso fosse climático, já que o famoso surreal surreal foi realizado como era originalmente pretendido: 20 minutos de duração e 20 vezes mais cinematicamente grandioso do que a atual forma de 3 minutos. E, no entanto, o brilhantismo daqueles três minutos ressoou o suficiente para influenciar uma infinidade de filmes desde então. Apesar de seu estado mutilado, 'The Lady From Shanghai' ainda contém exemplos do virtuosismo característico de Welles na narrativa cinematográfica que tem críticos e diretores discutindo o filme há décadas. Como garimpar ouro para extrair os elementos mais preciosos, é preciso tirar os grampos manchados de estúdio dos filmes da década de 1940 (a pontuação abrasiva de Heinz Roemheld é um exemplo doloroso), melhor olhar para as cenas de Hayworth e Welles em silhueta ao fundo de um aquário e sentir a atmosfera nas seqüências gravadas no local em Acapulco, o iate e, é claro, naquele corredor de espelhos no parque de diversões no final. Não é o melhor trabalho de Welles nem o mais ambicioso, mas seu talento permanece intacto na versão que conhecemos hoje para marcá-lo um exemplo imponente de filme noir. [B +]


'Macbeth' (1948)

Estamos a apenas uma semana ou mais a partir da estréia de Michael Fassbender e Marion Cotillard dentro Justin Kurzelnova abordagem de Shakespeareconto clássico de ambição e assassinato de Cannes. Com desculpas para Roman Polanski ’;tomada decididamente falho, o nível que o filme ou qualquer outra adaptação de Bard precisa esclarecer em termos de Macbeths cinematográfico é provavelmente Welles ’; O filme de 1948, uma versão emocionantemente expressionista e discreta, mais eficaz do que a maioria das produções de Shakespeare, antes ou depois, torna a peça verdadeiramente cinematográfica. Filmado com um orçamento baixo em apenas três semanas para especialistas ocidentais em filmes B República (ele gravou o som com antecedência e sincronizou os lábios com o estilo musical de produção, que nem sempre funciona), o filme baseia-se em seu filme preto de 1936, 'Voodoo'. produção da peça (a brilhante sequência de abertura vê as bruxas construindo uma boneca de Welles - Macbeth em argila), embora com um cenário escocês mais tradicional e um elenco branco. Com design elegante e absorvente, de uma maneira apocalíptica gótica / ficção científica (o diretor descreveu sua visão como 'um cruzamento perfeito entre')Morro dos Ventos Uivantes’; e ‘Noiva de Frankenstein') e maravilhosamente baleado pelo futuro'.PsicopataO ”; Lenser John L. Russell, é um mundo vívido, de pesadelo, encharcado de fumaça e cercado de rocha, completo em sua execução de uma maneira que infelizmente poucos filmes de Welles poderiam ter. Críticos atacaram Welles ’; cortes na peça (exacerbados por mais feitos pela República), comparando-a desfavoravelmente oliva’; s “;Aldeia, ”; que estreou ao mesmo tempo, mas 'Macbeth' só funciona como drama se você é corajoso com seus cortes, e é uma das razões pelas quais esta versão decola de uma maneira que muitas outras não. Nem todo ator faz jus a Welles ’; desempenho (Jeanette Nolan como Lady Macbeth assumiu o papel depois Vivien Leigh e Tallullah Bankhead passou, e ela está um pouco fraca), mas no geral, isso é ótimo. [B +]

Otelo (1952)

Suficientemente denso e esfarrapado, Welles ' Palme d'OrA adaptação vencedora de 1952 da peça de Shakespeare sobre homicídios provocados por lenços é um tipo muito peculiar de obra-prima. Disponível exclusivamente agora, de forma controversa restaurada, o filme levou mais de três anos para ser produzido, exigiu várias substituições de elenco e estava perpetuamente prestes a ser encerrado por falta de fundos. E tem absolutamente as marcas de uma produção constantemente interrompida e problemática, quando as cenas começam em um local e terminam em outro, os close-ups geralmente não coincidem, o som entra e sai de sincronia e as edições acontecem de maneira irreverente, sem nenhum brilho. dos quais Welles era capaz. E, mesmo assim, com a frequência desses obstáculos, eles também estimulavam uma criatividade intoxicante: pegue a idéia inspirada de Welles para encenar o assassinato de Roderigo em um banho turco, que surgiu porque os figurinos da produção haviam sido apreendido. Mas também não é apenas uma série de soluções inovadoras para problemas logísticos - o “Othello”, de Welelles, no qual ele desempenha o papel central no infeliz blackface após a moda do dia, parece estranhamente descomprometido em sua forma final, como se pudesse acabaram neste estado experimental fronteiriço, mesmo com finanças sólidas. Esse é o senso de confiança diretiva e inabalável de Welles, que mostra em algumas de suas mais extraordinárias filmagens, que traz a história para longe de suas raízes estagnadas e para o reino do cinema expressionista mais puro. Insolentemente desrespeitando as leis do cinema clássico e unidas inteiramente pela força da vontade de ferro do diretor, 'Othello' de Welles é quebrado, mas monumental; uma ruína magnífica. [B +]


'Sr. Arkadin ”; (1955)

Existe em até seis versões cinematográficas diferentes (apenas três são coletadas em Critério ’;s “;O Sr. Completo Arkadin”; lançamento), bem como nas formas de livro e peça de rádio, e descrito pelo diretor como o 'maior desastre' ele já enfrentou, 'Sr. Arkadin ”; foi Welles ’; incursão infeliz no território de quase polpa, e embora ainda seja talvez mais examinado quanto à forma nebulosa em que ainda existe, é bastante interessante. Baseado livremente em episódios de um spin-off de rádio do “;O Terceiro Homem”; chamado “;As Vidas de Harry Lime, ”; a história segue um contrabandista americano (Robert Arden), que é recrutado para investigar o passado de um misterioso milionário, o titular Arkadin (Welles), que afirma não se lembrar de nada da sua vida. Cahiers du Cinema chamou a versão que eles viram um dos melhores filmes de todos os tempos em 1956, mas sem dúvida estavam exagerando um pouco o caso: em qualquer versão, incluindo o 'abrangente'. Na versão de critério, ele é limitado por sua evidente discrição e dublagem de atores estrangeiros e é um pouco grato a alguns de Welles; horas melhores como cineasta ou intérprete ('Kane' é uma influência tão grande quanto 'The Third Man'). E, no entanto, ainda é lindo, característico, absorvente e contém algumas das melhores sequências que Welles já atirou. É frustrante que nunca tenhamos visto o filme que o diretor pretendia totalmente, mas é quase tão fascinante examinar e descompactar os pedaços do que resta. [B]


'Toque do mal' (1957)
Inicialmente lançado como a metade inferior de um longa, 'Touch of Evil' passou pelas dores familiares crescentes de uma produção de Welles, com três versões existentes hoje. É ainda mais uma ode ao gênero filme noir do que 'A Dama de Xangai' já foi, com Marlene DietrichTanya e sua pianola que são 'tão velhas, são novas' impregnam os contornos da narrativa com um clima evocativo de melancolia. A fundação é apresentada quando Mike Vargas (Charlton Heston) e sua nova noiva Susie (Janet Leigh) se envolvem em um mistério de assassinato e enfrentam o capitão da polícia corrupto Hank Quinlan (Welles) e o criminoso local Grandi (Akim Tamiroff) A trama se confunde com o número certo de personagens obscuros e insinuações sombrias a partir daí, mas permanece convincente o tempo todo, resultando talvez no mais narrativamente orgânico de todos os filmes de Welles. E quando você tem que ir junto com Russell Mettya virtuosa iluminação de Welles, o retrato deliciosamente desprezível de uma alma corrupta de Welles e os ângulos de câmera noirish que se identificam como alguns dos melhores do gênero (a cena do quarto de hotel com Wells e Akimoff é algo de beleza escura orquestrada), bem , você está pronto para perdoar tudo, incluindo Charlton Heston como mexicano. Assim como seu primeiro rastreio virtuoso de três minutos, concebido décadas antes da longa tiragem, e tendo a chance de sair e voltar em grande estilo, 'Touch of Evil' é um noir que está à frente de seu tempo e é um dos mais obras polidas e quase indecentemente agradáveis ​​na obra de Welles. [UMA]


'O julgamento' (1962)

Encontrar o caminho para o 'Julgamento' de Orson Welles é como acordar e descobrir que você foi preso, mas ninguém vai lhe dizer para que. E dessa forma, é claro, a adaptação perfeita de Franz KafkaÉ romance. Mas, embora repleto de brilho e de queixo caído, “The Trial” nos oferece muito para admirar, mas pouco para cuidar ou ser movido, totalizando tanta inteligência reunida em torno de um núcleo oco. A fotografia é realmente notável, o design ultra-expressivo e os desempenhos fortes (Anthony Perkins é notável no papel central restrito; Jeanne Moreau, Romy Schneider e o próprio Welles fornece grande apoio). No entanto, simplesmente não há nada em que nos agarrarmos enquanto deslizamos por essa toca de pesadelo de coelho, e talvez seja porque Welles, que em outros lugares era principalmente fascinado pelo funcionamento interno de 'grandes' homens, pode encontrar pouco o que é essencialmente um história de todo mundo. É demais sugerir que ele está do lado dos acusadores de K - de fato, o filme anuncia claramente o paralelo entre as insignificâncias em espiral da situação de K e o funcionamento dos regimes totalitários. Mas o distanciamento irônico do diretor dos procedimentos está se distanciando: ele é um pesquisador divertido que observa um rato em um labirinto. Isso se traduz em um gigantismo impressionante nos cenários (trabalho inventivo exigido pela praticidade quando a produção foi transferida da Iugoslávia para uma estação de trem em Paris devido a excedentes de custos) e a muitas imagens inesquecíveis, mas isso custa o investimento e a dinâmica: vida. É uma alegoria sombria e cômica sobre o absurdo desumano da burocracia, mas poderíamos desejar que Welles, que a certa altura considerou seu melhor filme, tivesse estabelecido um pouco mais de humanidade em primeiro lugar. [B-]

'Carrilhões à meia-noite' (1964)
'Se eu quisesse entrar no céu com base em um filme, seria o que eu ofereceria', disse Welles, de 'Chimes At Midnight'. Um projeto pessoal de paixão baseado em uma das adaptações mais criativas de Shakespeare já filmadas, são cinco peças se unindo para formar um original de Orson Welles; uma adaptação de um personagem ao invés de uma história. Welles transforma um dos personagens coadjuvantes recorrentes dos Bard em uma liderança, transformando Sir John Falstaff em um anti-herói discreto e rebelde da alta sociedade, um boneco em forma de balão que está bêbado de nostalgia e vive a vida ao máximo. Sua amizade com o príncipe Hal (Keith Baxter) é o epicentro emocional da história, pois a principal luta de Hal está entre as obrigações que ele tem para com o pai, o rei Henrique IV (John Gielgud), e o tempo que ele passa se divertindo na Boar's Head Tavern e roubando Falstaff e seu alegre bando de malandros. Welles interpreta Falstaff com calma insaciável - a enormidade de sua astúcia superando a circunferência de sua cintura - e em sua cena final com Hal apresenta uma das performances silenciosas mais comoventes de sua carreira. Mas 'Chimes' se destaca muito além da vitrine de um ator. A comédia se infiltra nas menores fendas da produção, como a forma como as trombetas cerimoniais são editadas, e o cenário deslumbrante da Batalha de Shrewsbury é a arte de imitar a guerra e uma das maiores declarações do legado de Welles. A condição atual do filme disponível ao público está em um estado desastroso e disponível no YouTube, mas notícias recentes chegaram a esse ponto. Critério e Janus cuidará da restauração e eventual lançamento do Blu Ray. Ouça isso '>

'A História Imortal' (1968)

É estranho que, para todos os filmes inacabados e / ou comprometidos que Welles tenha feito, talvez o menos conhecido tenha sido completado na íntegra: 'The Immortal Story', feito para a TV francesa, mas lançado teatralmente em grande parte do mundo (nos EUA, foi emparelhado com Buñuel’; s “;Simon do deserto”; em uma conta dupla, embora não esteja disponível para assistir em casa até Critério coloque Hulu Plus alguns anos atrás). Mas há uma razão para além disso: o filme de 55 minutos parece estremecido em todos os sentidos e Welles sente-se palpavelmente desassociado tanto como ator quanto como cineasta. É baseado em uma história curta de Karen Blixen (o autor do “;Fora da África”; e “;Festa de Babette, ”; e jogado por Meryl Streep na adaptação do primeiro), de quem Welles era fã de profissão, contando a história de um comerciante idoso em Macau (Welles), que fica obcecado com a história antiga de um homem rico oferecendo dinheiro a marinheiro para engravidar sua esposa, e envia o funcionário (Roger Coggio) para encontrar o marinheiro (Norman Eshley) e uma mulher para posar como esposa (Jeanne Moreau) Pretendido ser a primeira metade de um filme de antologia em duas partes, Welles perdeu o interesse depois que os financiadores o forçaram a filmar o filme em cores, e mostra: roubado de seu amado claro-claro expressionista, as composições são planas e sem inspiração, enquanto o material, uma história muito curta, parece exagerada a uma hora. O desempenho de Moreau é muito melhor do que o filme em que ocorre - é uma pena que, após sua forte participação em 'The Trial', eles não conseguiram trabalhar em algo em que Welles estava mais interessado. o filme é, na melhor das hipóteses, um curio. [D +]


“; F for Fake ”; (1973)

A obra-prima final de Orson Welles, nominalmente um documentário, começou como um projeto da BBC sobre falsificador de arte Elmyr de Hory, originalmente apenas para ser narrado por Welles. Depois que surgiu Clifford Irving, que apareceu na filmagem em seu disfarce de biógrafo de De Hory, fez uma farsa gigante fabricando uma biografia 'autorizada' de Howard Hughes (como dito em Richard Gere-estrelador “;O embuste ”;), Welles assumiu o projeto e transformou-o em algo bastante diferente e notável: um exame metatático, indubitavelmente auto-indulgente e auto-satisfeito em falsificação. Grande parte da última meia hora do filme, envolvendo a namorada de Welles Oja Kodar e Pablo Picasso, parece ser totalmente inventado. Mas a verdade é subjetiva, e a brincadeira com a maneira como Welles aborda o assunto aprimora seus temas de uma maneira que um filme mais direto provavelmente não seria capaz de gerenciar. Comentando sobre a arte da performance que dominou Welles ’; a vida tanto quanto faz com qualquer coisa que Hory e Irving já conseguiram, é um filme denso, cheio de idéias, mas extremamente divertido, mesmo quando suas digressões ocasionalmente se transformam em becos sem saída. Não é classificável e foi principalmente ignorado pelos críticos na época (Welles disse Jonathan Rosenbaum que ele estava fazendo 'um novo tipo de filme', um que foi rejeitado por muitos devotos inicialmente). Felizmente, sua reputação foi restaurada significativamente ao longo do tempo. [B +]


“Filmando Otelo” (1978)

Projetado como o primeiro de uma série de longas-metragens para a televisão alemã em que Welles discutia seus filmes, 'Filming Othello' foi o único a ser finalizado e, como tal, compreende o último longa-metragem concluído com Welles como diretor (filmagem para 'Filmando o julgamento“Está disponível em forma não editada). A meio caminho entre um making-of e o comentário de um diretor, é realmente uma visão maravilhosa, não apenas do processo de filmagem de Welles, mas também de sua personalidade. Ele é um contador de histórias fascinante, e a produção de 'Othello' rende algumas histórias bem escolhidas (como ele descobriu antecipadamente que havia vencido o Palme d'Or quando um organizador frenético veio perguntar qual era o hino nacional de Marrocos - o país que apresentava o filme -). Mas ele é, de certa forma, um ícone consciente e, embora faça frequentes comentários depreciativos, eles podem parecer dissimulados, o desempenho de uma humildade que ele talvez não sinta. Mas isso faz parte do prazer deste documentário informal e, no entanto, totalmente dirigido - a caricatura de Welles como uma figura kaneiana cujos talentos foram correspondidos apenas pelo seu ego está tão profundamente enraizada que é agradável vê-lo falar por si mesmo e perceber como essa caricatura era bem fundamentada. Ao longo do filme, vemos Welles conversando com a câmera, participando de uma sessão de perguntas e respostas após a exibição e compartilhando um almoço com amigos e colegas de elenco. Micheal MacLiammoir e Hilton Edwards (onde todos os três ficam progressivamente barulhentos), tornando-o um ótimo recurso não apenas para os fãs de 'Othello', mas para qualquer pessoa interessada em Welles como cineasta cujo brilho criativo causou e floresceu na adversidade. [B]

A filmografia de Welles é desconexa, compreendendo tantos filmes inacabados ou hackeados, além daqueles poucos clássicos completos e cintilantes. Mas, considerando o quão perfeccionista ele era, talvez devêssemos ficar mais surpresos por ele ter terminado e lançado alguma coisa. As imagens perdidas de 'Os Magníficos Ambersons”Continua sendo uma das maiores baleias brancas do folclore cinematográfico e, de vez em quando, surge uma nova esperança de que ainda possa ser recuperada. E longa e contada é a história épica de Peter Bogdanovich tentando trazer o som fascinante de Welles 'O outro lado do vento”Para um estado finalizado, últimas notícias de que está tudo pronto e pronto para o lançamento do Centenário, ou que os problemas de direitos que afetaram o projeto por décadas ainda não foram resolvidos ou que o trabalho de edição / restauração quase não começou realmente , ou que o financiamento está em vigor ou que não há dinheiro suficiente. Então tudo está claro como lama e paridade para o percurso com Welles. Otimistas que somos, deixaremos um espaço aberto nesta retrospectiva na esperança de que algum dia tenhamos um novo título para adicionar.


E isso nem é entrar nas aparências de Welles, que deveríamos voltar definitivamente para ver outro dia. Ele costumava aparecer em seus próprios filmes, mas também fazia projetos de baixa qualidade para encher os bolsos (não importa o quão famoso e reverenciado ele se tornasse, Welles nunca parecia ter dinheiro suficiente para atender às suas necessidades) e nem estava acima de furtar. figurinos e acessórios de seus shows de presunto para decorar seus projetos de paixão pela direção. Mas de suas atuações em filmes que ele não dirigiu, seria perverso não chamar Harry Lime em Carol ReedS 'O Terceiro Homem”(E para quem ainda se apega à noção de que Welles dirigiu o filme, você pode ouvir o próprio homem refutar isso em 1,24 neste clipe.) Em parte porque é simplesmente uma performance tão maravilhosa (e você pode ler um artigo nele) em nosso recente artigo de Carol Reed aqui), mas também porque, se você reduzir pela metade a distância entre Lime, com seu magnetismo, inteligência e manipulação, e Charles Foster Kane, com suas idéias autoconscientes sobre grandeza e poder, e adicionar apenas uma sopa de o rapsion Falstaff, a base Hank Quinlan e o fatalmente falho Othello, você não apenas obtém o melhor herói Wellesiano, mas começa a ter uma idéia do próprio Orson Welles.

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- Jessica Kiang, Oli Lyttelton, Nikola Grozdanovich e Rodrigo Perez



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