A Melhor Cinematografia de 2018

A Melhor Cinematografia de 2018



Amazon / Captura de tela / Paramount

A cinematografia não é uma competição, nem um concurso de beleza; portanto, resumir os melhores anos nos últimos anos em um ranking simples não foi uma tarefa fácil. Muitas vezes, a narrativa da temporada de premiação para talentos abaixo da linha é a escala e o uso mais óbvio do artesanato; aqui, o foco é como a forma pode ser usada para provocar emoções e contar uma história. São 10 filmes que fazem isso muito bem. Depois, alguns prêmios adicionais focaram em filmes que abriram portas e apontaram para um futuro emocionante do que é possível no mundo da cinematografia.



10. 'Constelação Distante'

“Constelação distante”



Shevaun Mizrahi

O cenário do documentário de Shevaun Mizrahi é uma casa de velhice turca, um edifício institucional desgastado que se ergue sobre uma cidade que está sendo reconstruída abaixo. Mizrahi, uma equipe de uma mulher, transforma o edifício em uma torre etérea de luz de inverno, que quando se junta a seus súditos idosos as memórias têm um efeito assustador que persiste bem depois de sair do teatro. O filme captura o que um cineasta engenhoso pode realizar com pouco - esperando a luz, encenando as conversas nos bolsos de calor e cor dentro da instituição e usando uma câmera de baixa fidelidade para incorporar a intimidade e o carinho mútuo que ela compartilha com ela assuntos. 'Memória' como um estilo cinematográfico, tornou-se uma maneira cada vez mais difusa de descrever o estilo visual de um filme, mas Mizrahi construiu uma câmara visual para capturar a natureza efêmera e espiritual de se lembrar do passado.

9. 'Queimando'

Queimando

Captura de tela

vem à noite metacrítico

A primeira parte do diretor Lee Chang-dong 's' Burning ' joga como um filme natural, satisfatório, embora um pouco pesado, da vida. Mas depois que os protagonistas fumam maconha e dançam ao sol poente, em uma cena verdadeiramente maravilhosa, o filme se transforma em algo mais parecido com a versão do autor Haruki Murakami de 'Vertigo'. O que é notável na cinematografia de Kyung-pyo Hong não é que ela reflete perfeitamente essa transição, mas como ela é orgânica para o que está na tela. Digitalize os créditos do diretor de fotografia e você encontrará filmes com estilos impressionantes em negrito ('The Wailing', 'Snowpiercer'), mas com 'Burning'. a atmosfera espessa não faz parte da aparência do filme, mas é motivada pela localização e pela luz natural. O próprio mistério do filme se torna um estudo da luz e da escuridão.

8. 'Nós, os animais'

'Nós, os animais'

Cinereach

A pele, a cor, o calor poético e a intimidade do verão, 'We the Animals' é simplesmente o filme com textura mais maravilhosa do ano. O que é particularmente notável neste filme de Sundance de 16 mm é que ele não absorve a nostalgia, mas se baseia em um realismo poético. Os jovens atores novatos têm liberdade para se mover, a câmera é portátil, mas não há nada de bruto ou cru nisso. Os quadros de lentes grandes têm proximidade e imediatismo, mas a câmera respira com um movimento deslizante, mais como um sonho subaquático do que aquele pseudo estilo documentário que define a maioria das indies portáteis com um elenco pela primeira vez. O diretor de fotografia Zak Mulligan cria uma luz de verão que parece distante, manchada ou desbotada - boa parte do filme parece ter filmado aquelas últimas três horas mágicas de um dia de verão. O próximo candidato a Mulligan é Benh Zeitlin, Wendy, rdquo; que deveria ser uma tela para mais dos mesmos gloriosos.

7. 'Se a Beale Street pudesse falar'

“Se a Beale Street pudesse falar”

Captura de tela

Quando foi anunciado que o acompanhamento de Barry Jenkins e James Laxton para 'Moonlight' rdquo; seria uma adaptação de James Baldwin para o período do Harlem, com certas imagens surgindo na cabeça com base em sua abordagem poética do cinema artístico asiático-europeu em relação ao vencedor anterior do Oscar. Exceto 'Beale Street', foi um filme que desafiava as expectativas, com uma linguagem visual que de alguma forma tem um pé no melodrama tecnicolor de Hollywood dos anos 50 e um pé no realismo dos grandes fotógrafos que capturaram o Harlem em seu ponto mais econômico. A cinematografia de grande formato de Laxton encontra uma ousadia nas imagens que têm o poder das palavras de Baldwin e o abraço caloroso do amor dos protagonistas. Apenas como exemplo, considere a incrível variedade de expressões emocionais que o diretor de fotografia encontra no estúdio / apartamento em ruínas de Fonny - desde a intimidade congelada da primeira vez em que os personagens fazem amor até a intensidade ardente de Fonny (Stephan James ) perdidos na inspiração artística, na escuridão da lembrança de Daniel (Brian Tyree Henry), na luz esperançosa do nascimento de uma criança. As imagens dinâmicas de Laxton estão bem afinadas com o modo como a direção de Jenkins se enche de emoção e inspiração, mas se baseia em um senso muito real de tempo e lugar.

6. 'Você nunca esteve realmente aqui'

'Você nunca esteve realmente aqui'

Alison Cohen Rosa Amazon Studios

No trailer de 'Você nunca esteve realmente aqui', um crítico considerou o filme um dos dias modernos 'Taxi Driver', uma distinção discutível, exceto por como as ruas sufocantes e sujas de Nova York se tornam uma tapeçaria de loucura. Com a diretora Lynne Ramsay, sempre há uma linha ambígua de onde seu lirismo visual termina e a cinematografia começa, mas em 'Você nunca esteve realmente aqui' ela encontra um verdadeiro companheiro de chapa no diretor de fotografia Thomas Townend. Para um filme com muito pouco movimento de câmera real, há um constante sentimento de desconforto e energia, e como com 'Taxi Driver', Townend e Ramsay criam um mundo tão alucinatório que a cena subaquática, muito discutida, parece uma extensão natural do que veio antes.

5. 'O Favorito'

Rachel Weisz e Olivia Colman no filme 'O Favorito'

Yorgos Lanthimos

vindicadores rick morty

A diretora Andrea Arnold conta a história de quando ela era uma diretora ainda inexperiente, montando sua primeira cena ao trabalhar com o diretor de fotografia Robbie Ryan em um de seus primeiros curtas. Foi um tiro bastante certeiro do ator se movendo rapidamente do segundo andar para o primeiro. Enquanto ela passava pela cena, ela a atingiu como uma tonelada de tijolos - isso significava que Ryan precisaria correr para trás, escada abaixo, segurando uma câmera de 35mm. Ryan não piscou o olho, nem Arnold pela década seguinte, ao criar uma marca única de poesia visual cinética com Ryan atrás da câmera.

Para 'O Favorito' O diretor Yorgos Lanthimos queria criar um filme de época ambientado na opulência do castelo da rainha Anne, exceto que eles não usavam luzes de cinema, bandeiras ou saltos para moldar a luz natural, ele filmava com uma vistosa faixa de 6 e 10 mm de largura. as lentes angulares e sua câmera animada rodavam, paravam num instante e agitavam pan com precisão e personalidade a qualquer momento e sem um steadicam. Novamente, não há problema. O fato de Ryan ter exibido um filme tão lindo, sem ser ornamentado e capturar (se não desbloquear) a visão de Lanthimos é uma das maravilhas do cinema de 2018. Nenhum diretor de fotografia que trabalha hoje oferece, sem problemas, cinematografia com luz natural e movimento de câmera com fisicalidade, como Ryan.

4. 'A Ilha dos Cães'

“Ilha dos cães”

Fox Searchlight

Perdido no espanto de Wes Anderson em 2018 ainda se dedicar ao trabalho meticuloso de traduzir sua visão única em animação em stop motion, é que cada um desses quadros precisa ser iluminado. Embora muitos tenham destacado a clara referência e influência de Kurosawa e Welles na 'Ilha dos Cães', poucos mencionaram como o diretor de fotografia Tristan Oliver criou essas incríveis imagens de foco profundo. No filme dessaturado, estranhamente para Anderson, a iluminação de Oliver é preenchida com contraste e sombra para criar (de longe) a cinematografia mais expressiva e detalhada de um filme de Anderson. É também a iluminação mais sombria e com mais nuances de 2018.

3. 'Aniquilação' “; Missão Impossível: Precipitação ”;

'Aniquilação' e 'Missão Impossível: Precipitação'

Paramount

Estúdios de Hollywood, psst. Por aqui. Não sei como explicar isso para você, mas seus filmes parecem uma merda.

Toda essa tecnologia e essas incríveis ferramentas de criação de mágica são ótimas, mas há muito tempo passamos o ponto em que elas devem ser total e perfeitamente integradas à sua narrativa. De fato, eles estavam basicamente integrados na época do primeiro 'Senhor dos Anéis'. e se você assistir a produção incrivelmente cinematográfica da nova 'Guerra nas Estrelas' filmes sob Kathleen Kennedy (que descobriram isso com Spielberg décadas atrás), é óbvio que existe um fluxo de trabalho que pode funcionar hoje também. Não é uma escolha binária, efeitos visuais e grande ação são realmente melhores quando o diretor de fotografia está no centro do seu fluxo de trabalho.

A Paramount teve os melhores filmes de ficção científica e ação de estúdio de 2018, os quais também tiveram a melhor cinematografia. Eles também tinham o mesmo diretor de fotografia: Rob Hardy. Desde o outro mundo do brilho e saturação na Área X ('Aniquilação') até o salto do halo em 'Missão Impossível', Hardy usou grandes recursos de orçamento para integrar perfeitamente o fantástico ao foto-realismo. Suas imagens são impressionantes, viscerais, atmosféricas e completamente ao serviço dos diretores que oferecem um gênero de alta octanagem.

2. 'Guerra Fria'

'Guerra Fria'

Amazonas

Vivendo em um mundo de TV em cores e filmes, há algo de inerentemente cinematográfico em um filme em preto e branco. No entanto, do ponto de vista cinematográfico, preto e branco não eleva necessariamente a iluminação, ela a revela - tudo o que temos é luz, branco a preto e todas as tonalidades intermediárias. Imagens em preto e branco podem ser rapidamente expostas como planas, excessivamente iluminadas ou apenas desligadas. Inversamente, no caso da 'Guerra Fria', o preto e branco revela um dos maiores filmes iluminados da última década.

De muitas maneiras 'Guerra Fria' é uma vitrine melhor para o diretor de fotografia Lukasz Zal do que 'Ida', ou rdquo; o filme preto e branco anterior que ele filmou para o diretor Pawel Pawlikowski e que lhe rendeu uma indicação ao Oscar de co-cinematografia. Para 'Guerra Fria', Pawlikowski e Zal discam o contraste, enquanto elevam a câmera para que ela possa ver mais fundo em locais e espaços sugestivos. O filme também veio com meses de preparação, nos quais os dois colaboradores projetaram cuidadosamente cenas mais longas, nas quais a narrativa visual se resume ao essencial - cada reformulação, cada movimento, uma batida dramática de narrativa e a iluminação precisa de Zal e o uso da composição. profundidade enfatizando e moldando o momento.

1. “; Suspiria ”;

'Suspiria'

tiro morto vai ferir

Guerra Fria monótona Alemanha durante o inverno. Escolha uma cor para descrever “; Suspiria ”; e você diria cinza. Na era digital, esse tipo de filme não saturado é muitas vezes realizado com uma virada no disco, esmagando a vida e a alma da imagem.

Isso não é 'Suspiria', e certamente não é o diretor de fotografia Sayombhu Mukdeeprom, que com este filme se estabelece claramente como um dos poucos DoPs trabalhando atualmente. Dentro da paleta estreita do filme, há um tour de force da cinematografia requintadamente esculpida - imagens vívidas, quase opulentas, com uma rica camada empilhada sobre uma rica: o tom de pele de porcelana, a sinfonia de cores suaves, a luz prateada do inverno. Tudo isso muda perfeitamente para dimensões alternativas, como o espaço indefinido noir-ish nos corredores, a teatralidade da performance de Volk, os pesadelos etéreos e assim, esse final.

Mukdeeprom capta perfeitamente a essência do diretor de fotografia Michael Ballhaus, cujo trabalho dos anos 70 com o diretor alemão Rainer Werner Fassbinder incorporou o espírito da época que o diretor Luca Guadagnino estava tentando canalizar, mas fez dele o seu. E, como Ballhaus ('After Hours', 'Goodfellas'), a capacidade de Mukdeeprom de oferecer tudo isso com movimentos articulados da câmera e fotos de dolly é o material de um filme de Scorsese.

MVP (Fotografia Mais Valiosa): 'Nasce Uma Estrela'

'Uma estrela nasce'

Warner Bros.

Os outros filmes deste artigo são aprimorados pela cinematografia, com os DoPs gravando uma camada expressiva da história que vai além das performances e da direção. No caso de 'Nasce uma estrela', o diretor de fotografia Matthew Libatique criou a linguagem e estrutura muito visuais que permitem que esse filme suba.

Pense na tarefa em si: um diretor iniciante (Bradley Cooper), que não é músico, interpreta uma estrela do rock que dirige simultaneamente uma estrela pop da vida real (Lady Gaga) que não age. Enquanto Cooper está encontrando as performances, Libatique precisava criar um estilo de filmagem discreto, capaz de se adaptar à performance, mas que exige imediatismo e intimidade - o filme às vezes parece um close longo e intenso. Um mestre para a sensação de uma câmera em movimento, com a capacidade de tocar ritmos radicalmente diferentes para tudo, desde a mãe! ao 'Homem de Ferro'; Libatique interpreta zagueiro no “; Star ”; girar diferentes câmeras com diferentes lentes dentro e fora durante as tomadas, evitando cortar e alterar as configurações. O movimento de Gaga e Cooper, as batidas emocionais das cenas e a câmera em movimento parecem perfeitamente sincronizados e coreografados. Eles não são, isso é tudo Libatique e sua equipe encontrando o momento e os quadros enquanto se alimentam dos artistas.

A tarefa só se torna mais difícil quando se considera as configurações de concertos da vida real, mas também a presunção de que a câmera nunca sai do palco. Nunca estamos na multidão assistindo o show, estamos com nossos artistas. As luzes apontaram e apontaram para a própria câmera (e artistas). E, no entanto, o filme é transparente. Gaga saindo pela primeira vez no palco do anfiteatro para pegar o microfone e deixar 'Shallow' rdquo; rip parece visualmente orgânico, o ponto culminante natural da abertura intoxicante do filme por 30 minutos. Para juntar tudo isso, Libatique criou uma história de cores satisfatória, primeiro nos aterrando na luz ciano-avermelhada mundial de Cooper, que se arqueia e muda à medida que as duas se fundem e desmoronam.

Não sei se a cinematografia 'Nasce uma estrela' em si pertence ao top 10, mas o que sinto é que, se você remover o trabalho de Libatique, 'Nasce uma estrela' é um candidato à Melhor Canção.

Menções Honrosas: “; Primeiro Homem ”; (DoP Linus Sandgren), 'Feliz como Lazzaro' (DoP Hélène Louvart), 'Hereditária' (DoP Pawel Pogorzelski), 'Acho que estamos sozinhos agora' (DoP Reed Morano), 'Velho & a Arma' (DoP Joe Anderson), 'Os Irmãos Irmãs' (DoP Benoît Debie), 'Viúvas' (DoP Sean Bobbitt), 'Zama' (DoP Rui Poças).

Quais são os próximos prêmios

Os seguintes diretores de fotografia exploraram o meio de maneiras empolgantes este ano, ultrapassando fronteiras e abrindo as portas do cinema.

Explorando o escuro

'Onde está Kyra?'

Captura de tela

O diretor de fotografia Bradford Young ('Solo', 'Onde está Kyra?'): Digital não é filme, para melhor ou para pior. Para melhor, a quantidade de informação visual que está agora no “dedo do pé”, a extremidade inferior da exposição é incrível. Fazendo um filme de David Fincher parecer um musical da MGM, ninguém está explorando essa escuridão digital como Bradford Young. Em “Where is Kyra?” Young faz mais com uma lâmpada do que a maioria dos diretores de fotografia pode fazer com tempo e equipamento ilimitados. O fato de essa exploração ter sido transferida para um filme de “Guerra nas Estrelas” (“Solo: A Guerra nas Estrelas”) confunde a mente, enquanto expõe e testa (se não quebra) a nossa projeção em cadeia de filmes. O cinegrafista mais ousado que trabalha hoje.

Explorando o Formulário de Não Ficção

'Hale County, esta manhã, esta noite'

Sundance

dr.who temporada 9 episódio 4

RaMell Ross ('Condado de Hale esta manhã, esta noite'): RaMell Ross encarna o papel literal de diretor de fotografia. Um fotógrafo que virou cineasta, a abordagem de Ross às ​​suas imagens baseadas no tempo soprou ar fresco no mundo da não-ficção. Cada imagem é inteira, destinada a ser autônoma, incorporando a beleza, a magia, a verdade e a ambiguidade que ele vê através de suas lentes. Não é cobertura, não está capturando momentos ou filmagens destinadas a servir uma narrativa maior, é uma interpretação de um momento por um artista atencioso e um fotógrafo infernal.

Explorando novas composições

'Roma'

captura de tela

'Roma': Alfonso Cuaron não é o primeiro diretor ou diretor de fotografia a filmar em grande formato, seja um filme de 65 mm ou um sensor digital do mesmo tamanho. Ele é um dos primeiros a usar as qualidades exclusivas do formato com lentes grande angular para capturar momentos essencialmente íntimos com grande profundidade de campo e escopo.

Aproveitando o quanto as lentes mais largas se tornam no grande formato (uma lente mais apertada de 50 mm no formato 65 mm captura o mesmo campo de visão que uma lente mais larga de 25 mm no formato 35 mm), a Cuaron criou imagens com um amplo campo de visão e profundidade tremenda de campo, mas para cenas e momentos íntimos. O resultado é que temos um alcance com proximidade imersiva, intimidade com distância objetiva. É uma experiência cinematográfica diferente sendo usada de maneira única por um artista singular, mas será interessante ver para onde os outros a seguirão.



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