12 filmes com a melhor cinematografia em cores de todos os tempos

'Dias do céu'



Atualmente, grandes diretores de fotografia como Emmanuel Lubezki e Ed Lachman atraem tanto espectadores sérios quanto os diretores com quem trabalham. Atualmente, o trabalho magistral de Roger Deakins no visual deslumbrante 'Blade Runner 2049' levou a uma pergunta recorrente acima de tudo: WRoger finalmente ganhou o Oscar? Entre os aspectos mais impressionantes da conquista de Deakins, está o uso de cores: praticamente todas as cenas têm uma paleta diferente.

Parece algo que nunca vimos antes, mas temos? Como a melhor cinematografia de hoje se compara aos ótimos filmes coloridos do passado?



Desde o início do século 20, sempre houve experiências com cinema em cores, mas não foi até o final dos anos 30, com o enorme sucesso de 'O Mágico de Oz' e 'O Vento Levou', que os filmes em cores se tornaram um grampo do cinema internacional. Com filmes que vão de 1947 a 2011, de mestres como Jack Cardiff a Lubezki, aqui estão nossas escolhas para os 12 filmes com a melhor cinematografia colorida de todos os tempos.



'Narciso Negro' (1947)


Dos grandes diretores de fotografia da era dos estúdios, o DP britânico Jack Cardiff era raro no sentido de que seu trabalho melhorou na transição para a cor depois de anos trabalhando em preto e branco. 'Painterly' é uma palavra usada em excesso na descrição do trabalho dos diretores de fotografia, mas com Cardiff é 100% adequada. O artista autodidata usou os grandes mestres, como Vermeer, como modelo para criar sua luz no palco sonoro.

A paleta de cores de Cardiff era muito mais fundamentada em comparação com seus contemporâneos de Hollywood, que também usavam Technicolor, mas seus filmes ainda tinham uma qualidade sobrenatural em sua beleza discreta. Isso nunca foi tão verdadeiro quanto em Michael Powell e Emeric Pressburger - Black Narcissus -, onde ele criou um mundo de montanha quase místico em um estúdio. A história de um grupo de freiras que perdem o autocontrole - hipnotizada pela beleza do Himalaia - é um filme difícil de se realizar, como os personagens ’; a histeria é quase puramente motivada pela atmosfera, mas nas mãos de Cardiff sua crise espiritual se torna tangível - com imagens que transportam o público para um mundo cinematográfico que parece estar situado em algum lugar entre o céu e a extremidade da Terra.

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“Tudo o que o céu permite” (1955) e “Longe do céu” (2002)

“Tudo o que o céu permite”

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Ver o Technicolor de três faixas nas mãos dos técnicos de Hollywood continua sendo um dos grandes prazeres do cinema. No cenário do estúdio, Hollywood criou esquemas de cores que apareceram com tanta saturação elétrica (e separação de cores) que até hoje é algo que nenhum avanço na tecnologia digital foi capaz de replicar.

Em 'Tudo o que o céu permite', ' Douglas Sirk e seu grande DP Russell Metty - trabalhando dentro das convenções de gênero dos melodramas da década de 1950 - usaram aquelas superfícies cor de doces Technicolor como prisão para uma protagonista de viúva suburbana (Jane Wyman), cujo conflito central era a pressão para manter a fachada do alto perfeição de classe média justaposta ao seu amor por um jovem agricultor com alma (Rock Hudson). Metty - que também filmou a obra-prima de Orson Welles, 'Touch of Evil' - usaria, em momentos-chave, uma iluminação discreta noir e usaria cores para revelar a verdade emocional que se encontra abaixo das superfícies coloridas do filme.

'Longe do céu'

Quase 50 anos depois, quando o diretor Todd Haynes queria ver se ele poderia usar a linguagem do melodrama da década de 1950 - da mesma forma que Sirk - em 'Longe do Céu', ele encarregou seu DP Ed Lachman de tentar recriar a paleta de cores e o visual do estúdio do fabricante de 'All That Heaven Allows' enquanto filmava em Nova Jersey. Lachman, um mago técnico que faz sua lição de casa, de alguma forma conseguiu a aparência de um esquema de luz de grade superior (apesar de trabalhar com tetos domésticos de 3 metros), uma paleta de cores deslumbrante e saturada (apesar da limitação do estoque de filmes de 2002) e até encontrou uma maneira controlar o sol para dar uma sensação de backlot ao exterior. Assim como Sirk, a beleza da superfície serve como uma forma de repressão com molduras que literalmente aprisionam os personagens que lutam contra o racismo, o sexismo e a homofobia, enquanto pintam seus estados emocionais com esquemas de cores impressionantes.

'O Leopardo' (1963)

O leopardo

'O Leopardo' é um filme que captura um momento de grande transição, enquanto um príncipe italiano envelhecido (Burt Lancaster) observa as tradições do mundo antigo que ele aprecia serem levadas pela revolta social e por uma geração mais jovem (representada por seu sobrinho, interpretado por Alain Delon) que pouco serve para os caminhos do passado. A câmera de Luchino Visconti e a cinematografia de Giuseppe Rotunno capturam essa transição e, ao mesmo tempo, elogiam o passado. Nas famosas cenas do salão de baile, eles dão vida à grandeza operística e às cores douradas da vida aristocrática, enquanto durante o dia a luz que flui nas janelas do castelo revela as rachaduras físicas do castelo desgastado. O longa, que foi massacrado por seu lançamento, foi restaurado por uma equipe de fãs obstinados que inclui Martin Scorsese, permitindo que o público moderno descubra a glória deste vencedor do Palm Film Festival de 1963 em Palma de 1963.



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